DERIVAS

Eco

2011-07-12T22:34:00.000-07:00

Esta semana vi un video bastante bueno de Raúl Gómez Valverde, titulado Eco. Como ya le comenté a él, me parece muy divertido y fresco, irónico y con sentido. Me ha gustado mucho.

Haz click aquí para ver ECO

Matadero

2011-07-12T22:27:00.000-07:00

Ayer pasé por Matadero Madrid. Las ampliaciones parecen seguir su curso, lentamente. Y en la sala Abierto por Obras pude ver una buena muestra de lo que no se debe hacer en arte: mostrar algo totalmente inaccesible, acompañado por un panfleto aclaratorio junto a la puerta, que nadie se molesta en leer. Tengo mis más y mis menos con Arthur Danto, pero estoy de acuerdo con él en una cosa:

<<Standing in the museum, we have to learn what the art means –what it's content is– and why it represents that content as it does. We are external to that art and confront it as art critics or art historians. It has lost the power to communicate on its own. Really, we have no need for that art.>>

Abierto por Obras en Matadero

DE NUEVO

2011-07-06T14:08:00.001-07:00

Vuelvo a publicar mi blog. 6 de Julio. Chicago.

Otra vez Dave Hickey

2009-03-21T10:40:00.000-07:00

La semana pasada se me quedó cara de imbécil cuando vi en una estantería de Moe's una nueva edición de Invisible Dragon de Dave Hickey (deliberadamente junto a una breve y pequeña frivolidad de Arthur Danto). Este libro estaba fuera de stock desde poco después de su impresión en 1993. Después de mucho buscar en librerías de segunda mano me hice con un ejemplar hace unos tres meses por cerca de 80 dólares, sin tener ni puñetera idea de que ahora aparece nuevo, editado por Chicago Univerity Press en edición de lujo por menos de 20 dólares. Cojonudo, me he convertido en coleccionista de rarezas para subnormales. He tenido la tentación de comprarme también el nuevo para parecer un capullo de estos que tienen toda la colección de los Rolling en vinilo, pero después la han vuelto a comprar en CD. En fin... dictados del mercado. Me deberían devolver el dinero y hacer una reverencia.

Clare Rojas

2009-03-12T00:09:00.000-07:00

Claire Rojas, Untitled, 2007

Clare Rojas, es una artista de San Francisco y hoy ha estado en Mills ofreciendo una lectura sobre su obra. Hay que dar las gracias a Mills College en Oakland por ofrecer estas sesiones gratuitas, en unas instalaciones de lujo y en las que no escatiman en champán y demás viandas para amenizar la velada.
En una presentación sin orquesta ni fuegos artificiales, y por tanto algo aburrida, he tenido la oportunidad de conocer un poquito más sobre las pinturas de Clare, sus gouaches naïve, y sus temas habituales. Es decir la soledad, el aislamiento del individuo, la cuestión de género, etcétera. Nada nuevo, los temas de siempre. Los chicos tienen pilila y las chicas no. ¿Y por qué siempre hay chicas desnudas en las fuentes clásicas? Voy a probar a poner un chico en lugar de una chica...

Claire Rojas, Untitled, 2007

Clare es conocida en España por una exposición el año pasado en el Musac en León. Me sorprende un poco aquella exposición, ya que no me encaja con el perfil de espectacularidad, ruido y pompas de colores que persigue la institución castellana. Supongo que la apuesta era por alguien joven, desconocido y con quien se pudiera hacer ruido (vamos, lo que ya pretendieron las mismas manos con Ana Laura Aláez en los 90). Hace unos años Clare Rojas decidió llevar a gran formato sus dibujitos coloridos, y crear grandes ambientaciones con las que meter al espectador en su universo de chica introvertida y femenina. Y le fue bien, pero según nos cuenta, se ha cansado y quiere volver a los sencillos cuadros de pequeño formato. Si es así y abandona las espectaculares instalaciones en grandes espacios, será un ejercicio de honestidad admirable, ajeno a los estímulos externos (y que debería servir de ejemplo a muchos). Será una pena sin embargo para los golosos del espectáculo.

Claire Rojas, Instalación en Gallery Paule Anglim, 2007

Al terminar las proyecciones nos ha deleitado con tres canciones dulces, melancólicas y con la misma cadencia rítmica del resto de la presentación. Después he aprovechado para saludarla y charlar un rato sobre su paso por tierras castellanas...

Clare actúa con su guitarra con el nombre de Peggy Honeywell. Me he permitido incluir aquí algunas imágenes de su obra, con su permiso y el de sus galerías. Ahí los links:

links:
http://www.tfaoi.com/aa/6aa/6aa223.htm
http://www.deitch.com/files/artists/peachandyellow.mp3
http://www.deitch.com/artists/sub.php?artistId=27
http://www.gallerypauleanglim.com/Gallery_Paule_Anglim/Clare_Rojas.html

Lugares Inhóspitos

2009-02-18T16:32:00.000-08:00

Uno de esos sitios donde nadie quiere quedarse más de diez minutos. Tan pronto como uno se sienta está deseando marcharse. El olor es símplemente a comida, a cualquier comida. Se mezclan los olores de comidas chinas, afganas, mexicanas, thailandesas, cajun, vietnamita, koreana, sandwhicherías, heladerías, y alguna cosa más que resulta irreconocible. Es el pastiche por excelencia: impersonal. Da igual que un día comas thai, y otro mexicano. Todo sabrá igual. Además nunca me han gustado los neones, me parecen cutres y chabacanos, deprimentes. Y no me gusta comer bajo ellos. Por lo menos no ponen música, miedo me daría. Ese es el sentido verdadero del fast-food: comer a toda ostia, engullir rápidamente, no vaya a ser que nos empiece a gustar el ambiente.

2009-02-18T16:10:00.000-08:00

Pego a continuación un artículo de José Antonio Salvador, publicado en ElPaís, por ser de estos que uno lee con agrado por estar totalmente de acuerdo:

Menos autopistas y más enseñanza

JOSÉ ANTONIO SALVADOR - Valladolid - 17/02/2009

Nos vanagloriamos de ser uno de los países europeos con más autopistas por habitante, pero estamos a la cola en el sistema educativo. Hasta los economistas más conspicuos reclaman inversiones para mejorar nuestro maltrecho nivel de enseñanza como paso necesario para hacer nuestra economía más competitiva.

El inexistente debate sobre la enseñanza se limita a discutir sobre educación para la ciudadanía, religión con crucifijo por medio y el peso de las lenguas, entre las que no está el inglés precisamente. Mientras tanto, los padres nos gastamos cantidades ingentes en academias para complementar una enseñanza que, como el informe PISA, consideramos deficiente. En el ámbito universitario, el debate es aún menos alentador si cabe. Y ante la oportunidad que propicia el proceso de Bolonia para mejorar el sistema educativo, los megáfonos los han tomado unos colegios profesionales pegándose por la tarta de las competencias y unos estudiantes preocupados en si la enseñanza será más privada que pública.

Me pregunto si lo importante no será la calidad de la enseñanza, sea ésta pública o privada, siempre y cuando se garantice la igualdad de oportunidades. Hay excelentes universidades privadas y públicas, y lo contrario.

Nada sobre contenidos, materiales y métodos de enseñanza, profesorado competitivo, permeabilidad a los mejores profesionales y a las empresas más innovadoras, intercambio de profesores extranjeros y exigencias de mayor presupuesto para la enseñanza, aunque con ello las grandes constructoras se resientan del negocio de las autopistas, las cuales últimamente se hacen en tramos que sólo las usan cuatro coches mal contados.

Recordando una anécdota histórica, dan ganas de encerrar con llave a nuestros diputados en el Parlamento y no dejarles salir hasta que alumbren una ley consensuada y bien dotada sobre la educación.

Yo propondría además erradicar la habitual endogamia departamental característica de las universidades españolas, ya que como se espera de cualquier endogamia, genera habitualmente tarados.

Keith Boadwee

2009-02-11T21:43:00.000-08:00

Acabo de regresar de una lectura del artista Keith Boadwee en Mills College. Ha sido un descubrimiento interesante. Estudió con Paul McCarthy y Chris Burden en UCLA en los 80, y tiene una obra basada en deyecciones abyectas sobre lo pictórico. Podría aburrir si no fuera por su discurso divertido y coherente. Muy interesante para aquellos que disfruten con primeros planos de ojetes del culo y pollas envueltas de ingenioso sentido del humor. Me hubiera gustado quedarme a charlar un rato, pero nos tuvimos que marchar.

Yukio Mishima

2008-10-04T02:39:00.000-07:00

Tenía ciertas espectativas sobre Yukio Mishima, pero las Lecciones Espirituales para los Jóvenes Samuráis ha resultado ser un panfleto literario más bien mediocre. No es de extrañar tras su lectura que F. Sánchez Dragó le dedicara una aduladora noche en su programa. Yukio Mishima es un ultra-conservador, un pobre hombre con algo de nobleza espiritual –no sé muy bien si pretendida–, que símplemente se muestra inconformista con su tiempo. Nostálgico de épocas gloriosas, de un Japón imperialista, y crítico de la cultura occidental, manifiesta posturas absolutistas en lo cultural y deja entrever cierta misoginia y una sexualidad reprimida. Romántico confeso, cumple patéticamente su suicidio (como recoje el prólogo de Clara Sánchez). Más que lecciones, el texto consiste en una crítica a toda sociedad japonesa de postguerra, en un tono de constante nostalgia de épocas pasadas. Lo que podía esperarse de espiritualidad oriental brilla por su ausencia y resulta más bien un tratado de radical inconformismo con el tiempo que le tocó vivir. Vamos, un pobre diablo.

Mi interés y admiración por el pensamiento y cultura japonesa no se han visto nutridos en absoluto, como sí ha ocurrido con otros textos de D.T. Suzuki, experto en zen y cultura japonesa, o la espiritualidad de un clásico como Allan Watts, además de el descubrimiento reciente de Taisen Deshimaru, maestro de la escuela Soto de Zen.

Joao María Gusmao y Pedro Paiva

2008-06-29T03:16:00.000-07:00

Ayer estuve en Matadero viendo la exposición de los portugueses Joao María Gusmao y Pedro Paiva. Una agradable sorpresa dentro de la programación de PhotoEspaña2008, evento mediático plagado de mediocridades calzadas a la fuerza para satisfacer las demandas del acontecimiento anual madrileño. Como curiosidad, en esta exposición no había ninguna fotografía.

Las obras de Gusmao y Paiva presentan en Horizonte de acontecimientos una serie de instalaciones y proyecciones analógicas en 16mm. Con un desbordante ingenio, analizan con ironía la relación existencial del hombre consigo mismo y con la tierra que habita. Las proyecciones sorprenden, entre el absurdo y la parodia del rigor documental en off. Sus peliculas, de escasa sofisticación y narrativa minimalista consiguen trasmitir una multiplicidad de sentidos posibles en cada pieza. Mientras que las instalaciones, en apariencia simples montajes de luces y piedras, están elaborados con una estudiada precisión técnica, y consiguen unos resultados muy satisfactorios.

Más información en www.mataderomadrid.com

Allan Kaprow

2008-06-28T00:00:00.000-07:00

Hay quien me ha preguntado por la cita que incluí en la cabecera de la web. Procede de Allan Kaprow en LA EDUCACIÓN DEL DES-ARTISTA (1971). Es un pequeño texto que considero muy influyente, un soplo fresco de pensamientos de hace casi cuarenta años. Ciertamente contradice la experiencia artística de nuestros días, donde jóvenes artistas de mi generación se mueven más en la dialéctica del éxito y del fracaso, dentro de las estrategias de mercadotecnia y trabajando en el ámbito de las relaciones públicas. El margen de maniobra hoy, paradójicamente, es escaso.

Para Allan Kaprow hay que abandonar la práctica del arte conocida como tal y volver a la vida. El artista debe deconstruir su espacio concebido desde la historia moderna y arrojar sobre los demás seres humanos nuevos modos de entender el mundo, como si de un juego se tratara.
Kaprow distingue varias posturas actuales (en 1971) en relación al arte: Arte-Arte, Anti-Arte, y No-Arte.
Hay que des-artear nuestra actividad como artistas; abandonar los roles estéticos y las referencias a denominaciones artísticas: convertirnos en des-artistas.
Plantea el arte como un juego. Hay una relación entre arte y lenguaje, entre lenguaje y juego, en indudable conexión con las Investigaciones Filosóficas de Wittgenstein.
El trabajo en sí, y el arte entendido como trabajo productivo es una actividad que no lleva a un enriquecimiento existencial del ser humano.
Considerar el arte como un juego sin oponentes, como un ejercicio no competitivo, significaría abandonar nuestro sentido de urgencia moderna y sería realmente útil para un sentido más vital de la propia vida. Hay que dirigir el arte hacia todo el mundo, y no desde y para una élite.
Convertir el arte en un modo de enseñar a jugar. La sociedad madura ha olvidado jugar, y ve el juego como algo a evitar. (No puedo evitar pensar aquí en Paul McCarthy, quien considera a Allan Kaprow su maestro. La retrospectiva de McCarthy que visité en el Moderna Museet de Estocolmo sigue siendo lo mejor que he visto en los últimos 3 años).
El arte experimental sigue cinco modelos básicos, no excluyentes ni determinantes: el operacional, el estructural, el autoreferencial, el situacional y el de aprendizaje. Pero lo esencial es comprender el valor de las actividades y su relación de significados con el mundo real y no sólo con el artístico.
El arte copia a la sociedad y la sociedad copia a la naturaleza. Ambos, arte y vida, son todo copias. Hay que entender la relación entre arte y vida.
Al igual que para John Dewey (filósofo americano pragmatista), a quien algunos consideran padre intelectual de Kaprow, el conocimiento parte de la experiencia.
Cualquier situación experimentada como arte o como no-arte, puede tener un aspecto metafórico transformador sobre el individuo.
Allan Kaprow tuvo en su vida madura una estrecha relación y dedicación hacia la enseñanza, la meditación zen, y en definitiva hacia el arte.

¿Por qué me interesa Kaprow? Supongo que porque plantea una mirada hacia el interior, hacia la integridad y honestidad que consigo mismo puede tener alguien, se considere o no artista; una reflexión sobre ese momento antes de ir a dormir cuando uno se pregunta así mismo ¿qué cojones de sentido tiene lo que hago?

ARTE DIGITAL Y VIDEOARTE

2008-06-24T17:09:00.000-07:00

Como quien dice, me voy con la música a otra parte. Voy a pegar aquí algunas notas y comentarios sobre una publicación pequeña de las Ediciones Pensamiento del Círculo de Bellas Artes. Es la recopilación de las charlas que hubo en 2005 sobre video arte y arte digital, a cargo de 4 pensadores: Donald Kuspit, Mark Van Proyen, William V. Ganis y Félix Duque. Creo que puede serle de utilidad a algunos amigos con los que ya he hablado.

ARTE DIGITAL Y VIDEOARTE. (TRANSGREDIENDO LOS LÍMITES DE LA REPRESENTACIÓN). DONALD KUSPIT (Ed.). Ediciónes Pensamiento. Círculo Bellas Artes, Madrid, 2006

DONALD KUSPIT: DEL ARTE ANALÓGICO AL ARTE DIGITAL

Donald Kuspit edita la publicación y comienza con una lectura ultraconservadora de deliberado anacronismo estético en torno al arte digital. Traza una linea directa que va desde la imagen digital –compuesta de píxeles que desintegran el objeto, o lo construyen, según se vea– hasta el puntillismo, que desde esta perspectiva supondría una forma primitiva de pixelado. Las obras de Seurat desintegraban en el plano el cuerpo representado, construyendo una nueva imagen construida a partir de puntos. Y del mismo modo, la digitalización de la imagen no es ni más ni menos que una traducción de lo real en códigos binarios que determinan una imagen también formada por píxeles o puntos.

A mi juicio D. Kuspit parece ignorar dos cosas. La primera es que dos de los principales fracasos dentro de la dialéctica de las vanguardias del S.XX –basada en la vorágine de la novedad que debía dejar obsoleto todo movimiento precedente– fueron Dalí por un lado –al apartarse de las raices psicoanalíticas del resto de los surrealistas– y el puntillismo por otro– al llegar a un callejón sin salida dentro de las intenciones formales de los impresionistas. La segunda es que toda traducción conlleva implícita una merma, una pérdida, un cambio sustancial en la forma, por pequeño que sea. De lo contrario estaríamos hablando de réplica. Una trasliteración desde lo real a lo digital como nueva realidad supone atender sólo a los códigos en los que se integra el significado de la imagen, cosa interesante, pero no considera en absoluto la forma, con lo que la nueva realidad apuntada por Kuspit cae en una metafísica ya erradicada por muchos autores. Parece querer meter dentro de un gran paréntesis toda la historia del arte del S.XX, estableciendo esa linea continua desde el primer impresionismo hasta el arte digital. Con esto satisface sus anhelos hegelianos de pensar en un arte muerto que deja paso a la metafísica del espíritu del pixel (las sensaciones codificadas), y que podría dejar paso a, o ser el inicio de, un nuevo arte, un gran arte. Pero sólo quizá.

(D. Kuspit es autor entre otros de El Fin del Arte (2004)

MARK VAN PROYEN: REALIDADES VIRTUALES E INFLEXIONES DIGITALES. LA APROPIACIÓN DE LOS NUEVOS MEDIOS.

Mark Van Proyen realiza una lectura crítica sobre el arte digital desde el entorno cultural y artístico de San Francisco y el Bay Area. Se muestra crítico con la idea de un net-art autónomo que paradójicamente reivindica una especificidad del medio. En una clara observación, aunque la tecnología digital ha hecho el mundo más pequeño, no ha hecho nada por aliviar la pobreza real y el sufrimiento de la mayoría de los seres humanos de este planeta. Al contrario que Kuspit, se muestra distante hacia la metafísica de la conciencia digital, aunque al igual que Kuspit proyecta una visión –llamémosla neomodernista– sobre el arte digital, que en realidad no distaría mucho de Kandinski, por ejemplo, con sus puntos y lineas sobre el plano.

En un análisis somero de la situación local en San Francisco, con respecto a la irrupción de la era digital de la mano de Silicon Valley, señala varios fiascos propios de la financiación corporativa dentro de la espectacularización lógica del arte tecnológico actual en el entorno del Bay Area. Si el arte institucional patrocinado por las corporaciones privadas genera deja-vùs, hay altenativas ejemplares como el Burning Man y obras de artistas como el Cremaster de Matthew Barney, que define como artista postindustrial al utilizar el museo como un objeto encontrado. Burning Man es el evento cultural preferido de los trabajadores culturales “digerati” (digital literati), que supone un contrapunto a la relación fallida entre la institución SFMOMA y Silicon Valley, que prefirió apostar por el do-it-yourself, antes que caer en las vías convencionales de las instituciones tradicionales de gestión de la cultura. Burning Man plantea una resistencia al éxtasis de la comunicación imperante por el márketing institucional, que ofrece mediante los museos de arte la posibilidad de largas colas con la esperanza de ver algo quizá relevante. Aún así cabe la pregunta de si no caerá –si no ha caido ya– en la institucional-comercialización de otros eventos al uso, tipo Sundance. En cualquier caso mediante estos eventos entran en juego las nuevas posibilidades del pos-arte, que ya predijo Allan Kaprow. La universidad también se perfila como un entorno de futuro más esperzanzador que el museo. En eventos culturales como Burning Man y acontecimientos semejantes, Mark Van Proyen ve desde una perspectiva neoclasicista una nueva Fleusis griega (lugar cerca de Atenas, donde se realizaban acontecimientos dos veces al año como huida de la vida social ordinaria). En definitiva, estas iniciativas de predominio de la experiencia digital y realidades virtuales suponen una apuesta más por lo extático del acontecimiento que por lo estático inherente a la inmovilidad del objeto de arte.

Mark Van Proyen es editor de AfterBurn: Reflexions on Burning Man (2005)

WILLIAM V.GANIS: ESCULTURA DIGITAL (UN SALTO DESDE LO VIRTUAL A LO REAL)

El texto de William V. Ganis es un minucioso repaso a algunos ejemplos de artistas que recientemente aplican las técnicas digitales a obra plástica tridimensional. Señala algunos aspectos interesantes, al referirse al arte digital como uno de los últimos vestigios de las vanguardias, o recordarnos que las técnicas digitales no son un elemento intrínseco a su realización, sino meras herramientas que aumentan la eficacia y el ahorro; denuncia también cómo el abuso de éstas técnicas muchas veces cae tan sólo en la repetición y permutación de clichés y conceptos de hace décadas, adaptando las nuevas tecnologías. Hoy por hoy la mayoría de los artistas que cita recurren a meros lugares comunes ya visitados. Técnica aparte, lo interesante es lo que estos medios puedieran desarrollar en el futuro. La descripción de artistas, técnicas y procedimientos escultóricos de aplicaciones digitales es minuciosa, y aborda en detalle los procesos de PR, CNC, y otros softwares de modelado en 3D. Puede ser útil para quien le interese el tema.

FÉLIX DUQUE: BILL VIOLA VERSUS HEGEL (TECNOICONODULÍA CONTRA LÓGICA ICONOCLASTA).

Félix Duque aporta la visión más interesante acerca del arte digital de las mostradas en el ciclo del Círculo de Bellas Artes. Ve en la de Bill Viola una obra de una metafísica evidente, cargada de ambigüedad, e impregnada además de un sincretismo high-tech.

Resulta interesante la cuestión violana de la cuidada técnica y de la incuestionable prioriodad estética de sus videos, que como señala Duque, suponen una nueva forma de iconodulía, opuesta a lo iconoclasta hegeliano que subyace en muchas propuestas del arte más reciente (y no tan reciente). Interesante pues la aproximación al concepto olvidado de belleza (al que ya apuntaban por ejemplo Dave Hickey o Arthur Danto desde diferentes perspectivas). No obstante, la obra más reciente de Bill Viola cae en una aparente nueva vuelta al cristianismo más tradicional (en cuanto a lo iconográfico y metafísico de lo representado), lo que en última instancia resulta, si bien efectivo (o efectista), reincidente y aburrido.